1892 verlassen russisch-jüdische Immigranten in Buenos Aires ein Schiff. Noch auf dem Landungssteg, kurz vor dem Dock, bringt eine Frau ein Mädchen zur Welt. So beginnt dessen Leben als Außenseiterin. Gertrudis wird von ihrer Mutter beiseite geschoben, der die schlichte, tollpatschige Tochter ganz offensichtlich peinlich ist, und sie wächst zu einer höchst unsicheren Frau heran. Daran ändert sich auch nichts, als sie einen wohlhabenden jüdischen Farmer heiratet und fünffache Mutter wird. Mit einer reichen Fantasie gesegnet, genießt Gertrudis in Stille und Einsamkeit die Schönheit der Welt um sie herum. Mit der Ankunft eines umherreisenden französischen Fotografen beginnt ihr Selbstbild sich zu wandeln.

La Cámara Oscura ist die schmerzhaft schöne, nachdenkliche Zeichnung jüdischer Immigranten, die sich Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts in der Pampa Argentiniens niederließen. Villa Clara, wo der Film spielt, wurde 1890 in der Provinz Entre Rios erbaut, einer von mehreren landwirtschaftlichen Siedlungen von Maurice de Hirschs Jewish Colonization Association of Paris. Die Einwohner, vor allem jüdische Immigranten auf der Flucht vor russischen Pogromen, wurden als jüdische Gauchos (Cowboys) bekannt.
Kaj Wilson

Das Spielfilm-Debüt des erfahrenen Animateurs und Dokumentarfilmers Andrey Khrzhanovsky ist ein lyrisches Meisterwerk mit Bildern aus dem Leben des mit dem Nobelpreis ausgezeichneten russischen Dichters Joseph Brodsky. Khrzhanovsky verwebt geschickt die erfundene Geschichte des anonymen Besuches eines älteren, im Exil lebenden Brodsky in seiner Heimatstadt St. Petersburg mit der Story von dessen Aufwachsen als Einzelkind in der sich rasant verändernden Ära nach dem Zweiten Weltkrieg. Mit seiner kinematografischen Alchemie aus Musik, Animation und Drama verneigt sich der Regisseur zudem vor der Literatur und erschafft Brodsky zu Ehren eine eigene filmische Version von Auf der Suche nach der verlorenen Zeit. Als junger Mann – noch zu Zeiten des repressiven Sowjetregimes – erklärte Brodsky, Russland werde frei sein, wenn die Prawda Proust druckt. Selten wurde St. Petersburg so wundervoll dargestellt wie in diesem nostalgischen Lobgesang auf die Kindheit und eine Sowjetunion, die ihre Dichter und Autoren liebte. Wie inspiriert durch Fellini und Tarkowski finden sich in diesem außergewöhnlichen Film sprechende, von Hand gezeichnete Katzen, und ein wunderbarer Moment zeigt den animierten, fliegenden Exodus von Musikinstrumenten aus jüdischen Wohnungen in St. Petersburg, deren Bewohner jedoch von der Schwerkraft in den von Stalin beherrschten Straßen festgehalten werden.
Nancy K. Fishman

Der am 6. April 1929 in Berlin geborene Sir André Previn zählt zu den bedeutendsten Musikerpersönlichkeiten unserer Zeit. Er war nicht nur vierfach Oscar-prämiierter Filmkomponist, er ist darüber hinaus Konzert- und Opernkomponist, Dirigent, Arrangeur, Orchesterchef, Pianist und Jazzmusiker in einer Person. Der Film spiegelt Sir Andrés Verbundenheit mit zwei Welten wider, stellt einen Künstler vor, der sowohl die amerikanische, als auch die europäische Kultur verkörpert. Zugleich erzählt er von seiner Liebe zu der berühmten Violinistin Anne-Sophie Mutter. Ihretwegen kehrte er nach über sechzig Jahren aus dem amerikanischen Exil nach Europa zurück. Für sie schrieb er das romantisch-lyrische Violinkonzert Anne-Sophie, das 2005 mit einem Grammy ausgezeichnet wurde.
Nicht als Frage-und-Antwort-Spiel konzipiert, führt André Previn den Zuschauer vielmehr durch Stationen seiner Lebensgeschichte, macht uns mit Menschen bekannt, die ihm wichtig waren und sind, neben Anne-Sophie Mutter sind dies u.a. die einstige Ehefrau Mia Farrow, der Dramatiker Tom Stoppard, die berühmte Sopranistin Renée Fleming, sowie seine Söhne Lukas, ein Rockmusiker und Fletcher.
ANDRÉ PREVIN – EINE BRÜCKE ZWISCHEN DEN WELTEN von Lillian Birnbaum und Peter Stephan Jungk porträtiert den 1929 in Berlin geborenen, weltberühmten Komponisten, Musiker, Dirigenten und vierfachen Oscar-Preisträger André Previn. Dabei wird der Ausnahme-Künstler unter anderem von seinen beiden Ex-Frauen Mia Farrow und Anne-Sophie Mutter sowie seinen Söhnen aus verschiedenen Ehen interviewt. Darüber hinaus zeigt der Film wunderbare Ausschnitte aus seinem reichen künstlerischen Schaffens der vergangenen Jahrzehnte.
Peter Stephan Jungk

Frans Weisz schuf eine einnehmende Saga miteinander verwobener Beziehungen unter mehreren Generationen niederländischer Juden, deren Familien den Zweiten Weltkrieg überlebt haben. Patriarch Simon liegt im Sterben, aber noch hat er alles fest im Griff. Seine Familie und seine Freunde versammeln sich, um ihm Trost zu spenden und zu klären, was zu tun ist, wenn er nicht mehr selbst entscheiden kann. In einer Mischung aus ernsthaften Betrachtungen über die generationsübergreifende Auswirkungen des Holocaust auf die Familienmitglieder und ihren Wünschen und Träumen – die sie dem komatösen Simon zum Teil unverschämt detailliert schildern – erschafft der Regisseur ein intimes Abbild niederländisch-jüdischen Lebens. Der dritte Teil seiner epischen Trilogie (Polonaise entstand 1989, Qui Vive 2001) zeigt die Kinder der Überlebenden, die sich auseinandersetzen müssen mit der Sterblichkeit ihrer Eltern, dem schwelenden Verlangen nach alten Liebschaften und schmerzenden Familiengeheimnissen. Die schlichte Tatsache der nachfolgenden Generation, von ihren Alltagsproblemen bis zu ihren größten Wünschen, verleiht Simons Aussage Substanz, dass „eine Stunde auf der Erde mehr wert ist als eine Ewigkeit unter der Erde“.
Nancy K. Fishman

Ruth Gruber, 97, arbeitete siebzig Jahre lang als hervorragende Journalistin und Autorin. Sie katapultierte sich aus Brooklyn direkt in die Weltpolitik und begleitete einige der wichtigsten Weichenstellungen in der jüngeren Weltgeschichte, vor allem auch der jüdischen Geschichte. Als Oberschülerin begeisterte sie sich für die deutsche Kultur und erhielt ein Stipendium an der Universität Köln, wo sie im Alter von nur zwanzig Jahren zur weltweit jüngsten Trägerin eines Doktortitels wurde. Unbeeindruckt durch die Tatsache, dass Journalisten damals fast ausschließlich Männer waren, bahnte sie sich hartnäckig ihren Weg und zeichnete sich zugleich durch eine ungeheuere Fähigkeit zur Empathie aus, die sich in all ihren Interviews zeigte. Ihre äußerst menschlichen Berichte zogen das Augenmerk der Welt auf die Nürnberger Prozesse, die Irrfahrt des Schiffs Exodus 1947, die Treffen der Vereinten Nationen in Palästina und die Gründung des Staates Israel. Sie berichtete im Übrigen nicht nur über aktuelle Ereignisse, sie hatte auch an ihnen teil: 1944 verpflichtete sie die Regierung Roosevelt im Rahmen eines streng geheimen Kriegseinsatzes als Begleiterin von 1000 Holocaust-Flüchtlingen aus Neapel nach New York. Gruber zeigt sich in dieser handwerklich ausgezeichneten Dokumentation voll faszinierender Archivaufnahmen gleichermaßen fesselnd amüsant und nachdenklich.
Nancy K. Fishman

Queens, New York, 1969. Am Tag der Beerdigung ihres Mannes erfährt Pearl Berman (Shirley MacLaine), dass sie einen geheimen italienischen Verehrer hat (Marcello Mastroianni), der sie seit 23 Jahren aus der Ferne liebt. Und als wäre die Verbindung von MacLaine und Mastroianni noch nicht genug, besticht dieses berührende 1992er-Juwel über die zweite Liebeschance einer jüdischen Frau mittleren Alters durch großartige Nebendarsteller wie Kathy Bates und Marcia Gay Harden als Pearls disfunktionale Töchter, Jessica Tandy als ihre Mutter und Sylvia Sidney als die langjährige beste Freundin der Mutter.

Niemand spielt schwierige Mütter besser als Shirley MacLaine. Äußerlich knallhart und scharfzüngig ist Pearl nicht die stereotyp manipulative, gluckenhafte jüdisch-amerikanische Mutter, die ihren Kindern ewig zum Vorwurf macht, was sie alles für Opfer brachte. Sie steht eher für einen Muttertyp aus der Depressionszeit: eine emotional reservierte, handfeste und oft frustrierte Hausfrau, die sich um ihre Kinder weder so kümmerte noch sich so mit ihnen anfreundete, wie es heutzutage üblich ist. Pearl reiht sich mit MacLaines Aurora Greenway (Zeit der Zärtlichkeit, 1983) und Doris Mann (Grüße aus Hollywood, 1990) ein in die Hall of Fame der beinharten Mütter.
Kaj Wilson

Yigal und Elena begegnen sich in einem Arbeiter-Vorort Tel Avivs. Er ist gebürtiger Israeli, sie eine russische Immigrantin. Er ist Taxifahrer, sie Musiklehrerin. Er ist geschiedener, alleinerziehender Vater, sie verheiratet. Er hat begrenzte Ambitionen, sie hat sich ihre längst abgeschminkt. Er hat Flugangst, sie fliegt bald davon. Beide lieben französische Chansons. Wie groß ist die Chance auf ein Happy-End? Der stille Charme des Films, sein zarter Rhythmus und die Chemie zwischen den Hauptdarstellern Dror Keren (Yael) und Elena Yaralova (Elena) ergeben eine unwiderstehliche Romanze. Vladimir Friedman ist in einer Nebenrolle als Elenas Ehemann zu sehen – ein Urologe, der davon träumt, nach Kanada auszuwandern.
Gezeigt auf dem letztjährigen Toronto International Film Festival und Gewinner des Preises als bester israelischer Spielfilm beim Haifa International Film Festival 2009 stellt Five Hours from Paris das beeindruckende Spielfilmdebüt von Regisseur Leon Prudovsky dar, der in Russland geboren wurde und als Kind nach Israel kam.
Kai Wilson

Wenn Sie schon immer nach einem Film sehen wollten, der die Liebe zur Torah mit der Liebe zu Baseball vereint, dann wird Sie diese pfiffige Komödie über eine aufstrebende jüdisch-orthodoxe Baseballmannschaft begeistern. Und sogar wer Sport nicht ausstehen kann, wird an David und Zev Brooks‘ Spielfilm Spaß haben. Das Debüt der Brooks-Brüder handelt von einem weisen Rebbe und einem bösen College-Sportveranstalter – und bezieht deutlich Position zugunsten von Vielfältigkeit und Toleranz sowohl innerhalb der jüdischen Gemeinschaft als auch in der Welt des Sports. Als Profi-Baseballspieler Charlie Jones nach mehreren betrunkenen Autofahrten dazu verurteilt wird, 192 Stunden Sozialdienst zu leisten, übernimmt er notgedrungen das Training der orthodoxen Jeschiwa-Baseballmannschaft, „Yankles“ genannt. Charlie ist nicht wild darauf, die Jungs mit den Schläfenlocken zu coachen, aber ihr Mannschaftsgeist und sogar ihre religiösen Überzeugungen erweisen sich als ansteckend. Seine Ex-Frau hilft ihm, den Job dingfest zu machen, und indem Charlie sich seinen Dämonen stellt, erarbeitet er sich vielleicht sogar noch eine zweite Chance bei ihr.
Nancy K. Fishman

Die jüdische Lesbe Tova Klein wurde in Israel geboren und zog dann nach Brooklyn, wo sie in einer jüdisch-orthodoxen Familie aufwuchs. Sie verliebte sich in Travis Cloud und die beiden adoptierten drei Kinder: Avery, Rafi und Zay-Zay. Als Avery in die Pubertät kommt, stößt die für ihr Alter typische Identitätssuche auf zusätzliche Probleme, weil sie eine junge schwarze Frau in einer weissen, zudem lesbischen jüdischen Familie ist. „Fühlst du dich schwarz?“, fragt ein Therapeut Avery Klein-Cloud. Sie antwortet ehrlich: „Ich weiß nicht, was das heißt.“ Avery möchte mehr Zeit mit ihren afro-amerikanischen Freunden und ihrem Freund verbringen, sie will ein kulturelles Milieu erkunden, das ihr zu Hause fehlt. Als Avery versucht, Kontakt zu ihrer biologischen Mutter aufzunehmen, entsteht emotionaler Aufruhr in der gesamten Adoptivfamilie. Die Suche nach ihren Wurzeln ist ihr ein Grundbedürfnis, stärker noch als ihr Talent als begabte Leichtathletin. Nicole Oppers ausgezeichnete Dokumentation beschäftigt sich mit der eigenen Abstammung, dem Erwachsenwerden und der herzzerreißenden Suche einer jungen Afro-Amerikanerin, die in einem fortschrittlichen jüdischen Haushalt groß wurde, nach sich selbst.
Nancy K. Fishman

„Was ist ein Name?
Was uns Rose heißt,
Wie es auch hieße,
Würde lieblich duften“.
Das sagt Julia – auf Jiddisch – in Eve Annenbergs innovativem, Shakespeare-durchdrungenen Drama über ehemals orthodoxe Männer, die Ava, einer Jiddisch-Schülerin, ihre Kenntnisse zur Verfügung stellen. Der zwanzigjährige Laser aus Brooklyn finanziert gemeinsam mit seinem Kumpel Mendy Essen und Drogen durch Kleindiebstähle. Von ihren Familien und ihrer Gemeinschaft abgeschnitten, sprechen sie den starken Akzent der ultraorthodoxen Satmer-Sekte, in der Jiddisch Muttersprache ist. Ava, eine Krankenschwester in der Notaufnahme, lernt für einen Master-Abschluss in Mameloschen, eben jener Muttersprache. Sie liebt Jiddischkeit, aber nicht das Orthodoxe. Als sie sich vornimmt, Romeo und Julia ins Jiddische zu übersetzen, empfiehlt ihr ein Satmer-Krankenwagenfahrer, die beiden Kleingauner Laser und Mendy um Hilfe zu bitten. Es gibt nur ein kleines Problem: Die beiden haben noch nie von Shakespeare gehört. Als sie beginnen, das archaische Stück zu „modernisieren“ und auszuagieren, geraten die jungen Männer verzückt in seinen Bann. Annenbergs rundum bezaubernde Meditation auf das Leben und die Liebe in New York führt zu einer Annäherung zwischen der säkularen und der ultraorthodoxen Welt.
Nancy K. Fishman

Die französische Jüdin Luisa lebt und studiert 1991 in Jerusalem, jener Zeit der Bombendrohungen Iraks. Ihr gutaussehender Freund Nathanael verliert sich in seiner Malerei und düsteren Stimmungen. Luisas beste Freundin Tamar ist schwanger und sorgt sich, dass ihr Mann, der Radio-Reporter Gil (Lior Ashkenazi), im Sender sein wird, wenn die Raketen fallen. Tamars Mutter (Hana Laszlo) glaubt, die Entbindung ihrer Tochter vorauszuahnen und fährt mit aufgesetzter Gasmaske aus Haifa nach Jerusalem. Der Film basiert auf Valérie Zenattis gleichnamigem Roman aus dem Jahr 2006, und zu den weiteren Figuren gehören Luisas Boss Amos (Tzahi Grad) mit seinem frisch gebrochenen Herzen, Nathanaels palästinensischer Freund Hadj, der versucht, eine Gasmaske zu besorgen und Luisas Nachbarin Mrs. Finger-Mayer, eine Holocaust-Überlebende, die nicht ganz sicher ist, in welchem Krieg sie sich eigentlich gerade befindet. Alain Tasmas breit angelegtes Drama spiegelt die Anspannung nach den irakischen Raketenangriffen auf Israel. Die Einschläge illuminieren die scharfen Kanten im Leben der Protagonisten und rücken die trivialen Sorgen des Alltags in den Schatten. So entsteht ein deutliches Relief der wichtigen Bindungen von Familie und Freunden sowie des Willens, zu überleben.
Nancy K. Fishman

Der bekannte Sänger, Filmemacher und ehemalige bad boy Dani Dothan richtet seine Kamera auf seine Mutter, Professor Trude Dothan, 86, die First Lady der israelischen Archäologie. So entstand eine außergewöhnliche und sehr persönliche Dokumentation, die sich mit den komplexen Gefühlen auseinandersetzt, welche in den letzten Lebensjahren eines Elternteils so aufkommen. Dani bemüht sich, seine eigenen Verletzungen in Einklang zu bringen mit der Verwundbarkeit seiner Mutter, einer Frau, die Schwäche verabscheut. Seine Erzählung beginnt mit den Worten: „Als kleiner Junge dachte ich, meine Mutter sei eine Königin. Sie verfügte über ein blendendes Lächeln, den kalten Glanz und eine strenge Stimme.“ Wir Zuschauer müssen Danis Bericht über seine Mutter in Einklang bringen mit der öffentlichen Person Trude Dothan, Trägerin des Israel-Preises und weltbekannte Archäologin, die der Film ebenfalls zeigt. Als ein Sturz sie für ein Jahr ans Haus fesselt, zieht Dani bei ihr ein und beschließt, das Leben seiner Mutter „auszugraben“. Trudes Wohnung wird zu einem verführerischen Universum, in dem die Funde ihrer kunstinteressierten Wiener Eltern auf Objekte von Banausen treffen – die, wie Trude anmerkt, gar nicht so unkultiviert waren.

Nancy K. Fishman

Zehn Jahre nach dem Ende des Zweiten Weltkrieges entdeckten Archivare eine Reihe Filmdosen der Nazis, darunter auch den Rohschnitt eines Films über das Warschauer Ghetto im Jahre 1942. Die Aufnahmen wurden als historisch korrekt eingestuft und somit zur Quelle für Archive und Dokumentarfilmer. Der Nazi-Film arbeitet mit Extremen: Szenen entsetzlichen Elends, großer Qualen und des Todes kontrastieren mit Aufnahmen von wohlbetuchten, wohlgenährten Juden, die tafeln und tanzen. Die Nazis „dokumentierten“ zudem eine Beschneidung, Besuche eines rituellen Bades und andere jüdische Bräuche. Doch die meisten der Szenen waren gestellt. Das beweisen eine Spule mit Verschnitt, die Jahre später gefunden wurde, ebenso wie Auszüge aus Tagebüchern von Bewohnern des Ghettos, Berichte Überlebender des Warschauer Ghettos und die Aussage eines Nazi-Kameramannes, der an dem Propagandafilm mitgearbeitet hatte. Yael Hersonski verwebt filmische Fundstücke, Verschnitt, Berichte und Begleitkommentare zu einem beeindruckenden, verblüffenden Werk, das in sich einen Akt des Widerstands darstellt gegen die kamerabesessenen Nazis und alle, die mit Hilfe der Filmkunst das Böse förderten.
Kaj Wilson

Wien 1938: Die „Kristallnacht“ ist vorüber und ältere jüdische Frauen fegen das zerbrochene Glas zusammen. Mit dieser Szene setzt Axel Corti den Ton für seine mitreißende Trilogie WOHIN UND ZURÜCK: er zeigt in seinen Filmen nicht die großen Dramen einer grausamen Zeit, sondern wie die Grausamkeit den Alltag prägt. Als Ferry Tobler (Johannes Silberschneider), der Sohn eines ermordeten Schneiders, feststellt, dass seine Wohnung geplündert wurde, wagt er zusammen mit anderen die Flucht nach Prag. Unterwegs schließt er sich mit ähnlich Verzweifelten zusammen: „Gandhi“ (Armin Mueller-Stahl), der den Nazis Widerstand leistete und aus Dachau floh, und Alena (Barbara Petritsch), Mitarbeiterin eines Flüchtlingskomitees. In wundervoll komponierten Schwarzweiß-Aufnahmen, die perfekt zu Archivaufnahmen passen, macht Cortis erster Teil der Trilogie die Emotionen der Menschen fühlbar, die vor den Kampfstiefeln der Geschichte flohen.
Steve Seid

New York 1941: Wir verlassen nun Ferry Tobler, während der besorgte Flüchtling Freddy Wolff (Gabriel Barylli) den Landungssteg eines Schiffes herunterkommt, nur um in die Wirren einer ungewollten Immigration verwickelt zu werden. Wie ein Nachkomme Karl Mays sehnt sich Freddy nach den einsamen Weiten des Wilden Westens und hat bereits ein Zugbillet nach Santa Fe bei sich, doch diese Strecke wird er nie fahren. Stattdessen avanciert die Skyline Manhattans zu seinen Berggipfeln und die Emigrantengemeinschaft zu seiner Grenzstadt. Die anderen Flüchtlinge sind verwirrt durch die quälende Situation: ein älterer Dichter führt einen Deli, ein begabter Chirurg ist arbeitslos, ein Theaterschauspieler gibt im Radio Tiergeräusche von sich und Freddy endet im Nähzimmer eines Hutmachers. Jeder hat verführerische Träume von seinem Santa Fe, doch in Cortis historisch gesichertem Film ist es der unerbittliche Überlebensstress, der dagegen steht und die Belastbarkeit der Menschen zeigt.
Steve Seid

Österreich 1945: Freddy Wolff (Gabriel Barylli) ist mittlerweile Soldat der US-Armee und erreicht das zerbombte Wien als zögerlicher Sieger. Zusammen mit Sergeant Adler (Nicolas Brieger), einem kommunistischen Intellektuellen, der ursprünglich aus Berlin stammt, gehört er zu einer Besatzungstruppe, deren Aufgabe darin besteht, die in Ruinen liegende Stadt zu entnazifizieren. Nach dem Sieg über die Deutschen steigen die ehemaligen Kollaborateure jedoch wieder auf, als sei nichts geschehen. Entgeistert über das dreiste Abstreiten aller Untaten findet Freddy Trost in den Armen Claudias (Claudia Messner), der schönen Tochter eines ehemaligen Nazi-Geheimdienstlers. Mit dem Ende seiner Trilogie schuf Corti „einen Film, der die Dichte und emotionale Gewalt von Renoirs ‚Die Spielregel‘ erreicht“, urteilte Kritiker David Thomson. „Nichts ist beendet oder geklärt.“
Steve Seid

Ein Fest jüdischer Kriegsveteranen in Frankfurt am Main. Am 9. Mai, dem Tag der Befreiung, wird jedem eine rote Rose überreicht. Man klatscht, tanzt und weint ein bisschen. Dann sitzen sie in ihren Neubauwohnungen vor schweren Vorhängen auf geblümten Plüschsofas, zeigen Fotos und erzählen… Auch nach langen Jahren in Deutschland verlaufe »in der Welt der Emigranten noch alles auf Russisch«, sagt jemand. Anders die Kinder und die, die sich scheinbar mühelos in beiden Welten bewegen: die Enkel. Äußerlich unterscheiden die sich in nichts von ihren hier geborenen Altersgenossen; bei der Jom Haatzmaut-Party sehen alle wie Ken und Barbie aus und plötzlich scheint es viel schwerer, die Welten der Alten und der Jungen zusammenzudenken als die von Zu- oder Nichtzugewanderten.
Festlegen will sich niemand so recht. Selbst die alten Rotarmisten sehen sich weniger im »Land der Täter« als in dem der Besiegten und Befreiten. Der Veteran, der seine Auszeichnungen für »aktive Kampfhandlungen« zeigt, erklärt: »Ich wusste, wenn wir nicht siegen, wird es keine Juden mehr geben.« – Das ist auch Dalia, der Sozialarbeiterin, bewusst: »Sie haben uns befreit, ich meine das ganze russische Volk. Sie haben die höchsten Opfer gebracht. Ich muss weinen, wenn ich sie sehe, mit ihren Orden….«
Gewidmet den jüdischen Kämpfern in der Roten Armee – steht im Abspann des Films.
Judith Kessler

Gemeinsam geschrieben und inszeniert von einem Palästinenser und einem Juden, und besetzt mit fantastischen Laiendarstellern, ist AJAMI eine kreative Höchstleistung israelischer Filmkunst. Das Stück spielt in Jaffas armem Viertel Ajami, die Verbrechensrate ist hoch und die Mischung der Anwohner explosiv: christliche und arabische Israelis, Beduinen, Palästinenser aus den besetzten Gebieten, Juden. Schüsse aus einem fahrenden Auto stehen am Beginn der Erzählung. Der Film bewegt sich vorwärts und rückwärts durch die Zeit, präsentiert neue Figuren und ihre Geschichten und zeigt, wie tragisch sie alle miteinander verbunden sind.
Das klingt düster und ist es auch, aber der Film – seine Kunst, sein Handwerk, sein innerer Drang, und vor allem seine Großzügigkeit – ist erhebend. Hier gibt es keine 08/15-Bösewichte; die Grenzen zwischen Gut und Böse, zwischen widerstreitenden Familien, Stämmen und nationalen Loyalitäten sind dafür zu kompliziert. Familienaufnahmen fast unerträglicher Zartheit unterstreichen, wie die Gewalt das Gewebe der Gesellschaft zerreißt und die Jugendlichen ihrer Jugend beraubt.
Zu den zahlreichen Auszeichnungen für den Film und die Regisseure Scandar Copti und Yaron Shani gehören eine Oscar-Nominierung als bester fremdsprachiger Film sowie israelische Ophir Awards als Bester Film und für die Beste Regie. Kaj Wilson